El horror italiano se asocia más comúnmente con Giallo, un subgénero de paletas de colores llamativos, historias demasiado intrincadas y revelaciones sorprendentes. Si bien hay muchas películas dentro de esta adorable clasificación cinematográfica, el terror italiano trasciende esta frontera estilística. También incluye terror psicológico, historias de fantasmas, slashers sensatos, historias de demonios y muertos vivientes, y una miríada de otros tipos de hilos para morderse las uñas.
Pioneros del cine italiano como Mario Bava, Dario Argento y Lucio Fulci establecieron muchas de las convenciones de terror que conocemos y amamos, a menudo rompiendo sus propias reglas en el proceso. Las estructuras significativas de la historia se sacrifican regularmente por el estilo, el estado de ánimo, el surrealismo intensificado y la cinematografía chillona que evoca el mensaje especial de una película. El diseño del escenario y las secuencias de asesinatos a veces aparecen como personajes en sí mismos. El horror italiano no es más que subversivo y lleva al espectador a través de una casa de terror temblorosa y llena de telarañas que es seductora y extravagante al mismo tiempo.
Lo inesperado es lo esperado. Cuando una narración no tiene mucho sentido, siempre puedes contar con imágenes que se retuercen en tu cerebro como lombrices de tierra. El género hace un juramento: te asustará y te dará pesadillas durante días, semanas y meses. Nuestra selección de las 20 mejores películas de terror del cine italiano incluye de todo, desde alegorías brillantemente iluminadas sobre la existencia humana hasta slashers y thrillers sangrientos que te sacudirán hasta la médula.
20. DEMONIOS
La banda sonora de «Demons» incluye canciones de Billy Idol, Motley Crue y Rick Springfield para ayudarte a transmitir el tono de la película. Es un delicioso banquete de sexo, drogas y rock ‘roll, con algunos demonios hambrientos de carne. Con un guión escrito junto a Dario Argento basado en una historia de Dardano Sacchetti, Lamberto Bava (hijo de Mario Bava) utiliza la experiencia del cine para dirigir un estallido apocalíptico de 1985. Desde sangre espantosa, incluyendo heridas llenas de pus que estallan como granos, hasta fotografías viscerales y coloridas, se alinea fácilmente al lado de «El más allá» de Lucio Fulci, que también está en esa lista.
Un grupo de extraños acepta una invitación a una vista previa nocturna de una nueva película de terror. Cuando una banda de jóvenes de 20 años desata inadvertidamente el fin del mundo en la pantalla, la vida real imita al arte y se desata el infierno. Atrapados en una sala de cine, los espectadores intentan protegerse de un enjambre de demonios, pero sus esfuerzos son en vano. Te conviertes en una concesión literal de carne, huesos y sangre, el lugar único se siente ilimitado y claustrofóbico. Las imágenes de esta película son tan repugnantes que es posible que desee tener una basura a mano.
19. DOMINGO NEGRO
Mario Bava es nombrado director de tres películas anteriores, incluida «El día en que explotó el cielo» de 1958. Debido a numerosos fiascos en el set, Bava a menudo se derrumbaba para tomar las riendas y terminar la filmación; ver, por ejemplo, «I Vampiri» que fue originalmente escenificado de Riccardo Freda. Como tal, se podría argumentar que «Black Sunday» es su debut como director en toda regla; sus huellas artísticas están presentes en su trabajo anterior, pero este espeluznante escalofriante de los sesenta es suyo.
La bruja vampiro Asa (Barbara Steele) y su amado Javutich (Arturo Dominici) son condenados a muerte por brujería y sus rostros son empalados por una máscara de demonio, una doncella de hierro con púas en el interior. Es una escena de apertura sorprendentemente brutal que establece el tono para una introducción casi estremecedora al cine italiano. Como muchas películas de la época, «Black Sunday» se basa en el poder de la sugestión y las perturbaciones en la mente humana.
Dos siglos más tarde, la descendiente de Asa, Katia, también interpretada por Steele, tiene que enfrentarse a su difícil historia familiar. Cuando un médico descuidado y su protegido despiertan accidentalmente a Asa de su tumba acristalada, Asa y Javutich intentan saciar su sed de sangre arrojando cadáveres y recuperando vidas muertas hace mucho tiempo. La película de Bava es una película delicada, de combustión lenta que sumerge al espectador en imágenes sorprendentes, la más cautivadora de todas es la cara de recién nacido de Asa, grabada con grietas oscuras. Es el tipo de combustible de pesadilla que no te asusta de inmediato, sino que se te clava en el cráneo.
18. LA CORTA NOCHE DE LAS MUÑECAS DE CRISTAL
El primer largometraje de Aldo Lado cambia las expectativas de Giallo y cambia por completo su estructura habitual para contar una historia apasionante sobre la futilidad humana frente a la muerte. Habiendo escrito innumerables guiones en su impresionante carrera, Lado nunca deja una impresión similar a la de «La noche corta de las muñecas de cristal». Cuando un joven periodista llamado Gregory Moore (Jean Sorel) investiga la muerte de su novia, se encuentra atrapado en una telaraña oculta.
Lado cuenta la historia en orden cronológico, a menudo alternando entre el presente y el pasado para mantener a la audiencia al margen de sus asientos. En la escena inicial, el cuerpo de Gregory se encuentra en una concurrida plaza de Praga, que se cree que está muerta. Cuando el enterrador examina su cadáver, todos los signos confirman que ya no está vivo, pero es muy probable que Gregor. Está atrapado en su propia mente, incapaz de moverse o hacer un solo sonido. Dejados en un registro frío, sigue los momentos que lo llevaron a su espantosa «muerte» y al descubrimiento de lo que realmente le sucedió a su amada amante.
«La noche corta de las marionetas de cristal» es mucho más oscura que muchos de sus contemporáneos, tanto en historia como en estilo, pero no se lleva bien sin el enorme impacto temático de Aldo. A medida que se acerca el acto final y surgen más revelaciones sobre el culto, un Gregor en coma pronto se convierte en una lección de anatomía para un grupo de estudiantes. El final es uno de los finales más retorcidos y crueles de toda la historia del terror.
17. SUSPIRIA
Cuando se discute el tema del hito de Gialli, muchos nombran «Suspiria» como un punto culminante definitivo. Pero aquí está la cuestión: la película de 1977 de Dario Argento no es un Giallo. Ciertamente se nutre del elegante esplendor de muchas de las otras obras de Argento, incluidas «Tenebrae» y «El pájaro con plumaje de cristal», pero su exterior sobrenatural, parecido a una bruja, niega cualquier posibilidad de que quepa en la caja de Gialli. «Suspiria» es una de las exploraciones más extrañas y locas de Argento sobre la curiosidad humana y la feminidad, ya que sigue a la ingeniosa Suzy Bannion (Jessica Harper) al llegar a una academia de danza alemana.
Los volúmenes estilísticos y compositivos enmarcan cubos de sangre, siempre hiper-estilizados y surrealistas de una manera que hace pensar que todo es producto de la imaginación de Suzy. ¿Lo es? ¿O no es así? La verdad es que los cadáveres caen a su alrededor y desapariciones aparentemente aleatorias sugieren que la misteriosa historia de la escuela está profundamente arraigada en prácticas siniestras. Un círculo de brujas, con el que está comprometida la fundadora Helena Markos, invita a las mujeres jóvenes antes de ofrecer sus cadáveres sin vida como corderos de sacrificio. «Suspiria» también presenta un estilo de actuación que es casi tan exagerado como el escenario y la cámara. Ese es el encanto. Todo en «Suspiria» es tan intenso que simplemente te pierdes en tu retorcido y empapado país de las maravillas.
16. UNA BAHIA DE SANGRE
La película de 1971 de Mario Bava «A Bay of Blood» (o «Twitch of the Death Nerve», como también se la conoce) juega generosamente en los sandboxes de Giallo y Splatter. Si bien el magistral cineasta toma prestada la colorida destreza de una de sus obras anteriores «Blood and Black Lace», parece orientarse en franjas como «Blood Feast» con representaciones gráficas de violencia y cubos de sangre. La mentalidad de Bayside también está demostrando ser una parte integral para permitirle a Bava sentar las bases para muchos de los mejores lanzamientos de la era slasher, incluidos Friday the 13th y Sleepaway Camp.
«A Bay of Blood» se desarrolla a la manera clásica de Giallo: asesinato, misterio y caos. El conde Filippo Donati (Giovanni Nuvoletti) estrangula y cuelga a su esposa, la condesa Federica Donati (Isa Miranda) en silla de ruedas, en un pacto asesino con los buitres inmobiliarios Frank y Laura Ventura. Pero después de que Filippo cumplió su parte del trato, fue asesinado sin ceremonias y su cuerpo fue arrojado al lago. La muerte de Frederica provocó una cobertura de noticias lasciva que llevó a un grupo de adolescentes a irrumpir en la propiedad durante un breve período. La parte central de la película se lee casi como una saga de Jason Voorhees perdida hace mucho tiempo, ya que cada adolescente pecador comete el pecado de terror más atroz: el sexo. Bava finalmente cierra el ciclo de la película en el final, y fiel a la naturaleza enredada de Giallo, es un clímax salvaje pero bien merecido.
15. MIEDO ESCENICO
Michele Soavi trabajó intensamente con el creador de tendencias de Giallo Dario Argento, entre otras cosas como segundo asistente de dirección de «Tenebrae» (1982) y director del documental «Dario Argento’s World of Horror» de 1985. Estaba ocupado tomando notas, como su larga duración El debut como director «Stage Fright» lo demuestra. Lanzado en 1987, es un florecimiento muy tardío en el boom general de slasher de la década de 1980, pero sus adornos de giallo lo elevan muy por encima de sus torpes contemporáneos.
Un loco fugitivo se dirige a un grupo local de actores que están ensayando un musical sobre un misterioso asesino llamado Night Owl. Cuando un actor es asesinado en el estacionamiento, el malhumorado director Peter (David Brandon) insiste en que todos ensayen toda la noche. Es una premisa elegante que solo es superada por la extravagante máscara de búho que una vez fue usada en el escenario por los actores y luego cooptada por el asesino invisible.
«Stage Fright» no se trata solo de lo dramático, sino que cose puntos de la trama exagerados y absurdos como diamantes de imitación brillantes en un traje nudie. La película continúa como todos los slashers, pero Soavi no pretende ser otra cosa que lo que es. Imágenes impactantes, especialmente cuando el asesino finge ser un actor y recrea un asesinato del programa mientras el resto del elenco de la audiencia mira, hace que la sangre se enfríe de una manera verdaderamente inolvidable.
14. NO TORTURES A LOS PATITOS
Cuando piensas en los directores de Giallo, el nombre de Lucio Fulci está en la parte superior de la lista. Su trabajo es extenso y siempre es una tarea tediosa concentrarse en sus películas finales. «Don’t Torture a Duckling» de 1972 aprieta tanto los tornillos Giallo que casi se rompen, convirtiéndolo en una de las obras maestras definitorias de esta época. Además de una historia sobre el secuestro y asesinato de niños, una estructura aterradora, el legendario cineasta interfiere con la brujería, la adicción a las drogas y los sutiles comentarios religiosos.
La desaparición de un niño llamado Bruno pone a sus padres en histeria y desencadena una turba rebelde y exageración de los medios. Cuando los padres reciben una llamada telefónica anónima pidiendo un rescate, la policía coloca una trampa para atrapar al perpetrador. Resultó que la persona desaliñada que llamaba era solo un oportunista y realmente no mató al niño; simplemente enterró el cuerpo en lo profundo del bosque. Esta revelación provocó una serie desgarradora de eventos y varios otros asesinatos de niños, incluido el ahogamiento en un abrevadero en una plaza del pueblo. Fulci te permite adivinar (y cuestionar) la identidad del asesino hasta el último momento posible. No es broma: los últimos 20 minutos han tenido tantos errores de dirección que probablemente tendrá problemas para mantenerse al día.
13. VIENTE NEGRO DE LA TARANTULA
El título por sí solo es suficiente para enviar escalofríos por tu columna vertebral. El Giallo «Black Belly of the Tarantula» de Paola Cavara de 1971 hace honor a su nombre. Un acosador enmascarado tiene una forma muy especial de preferir asesinar a una mujer, paralizándola primero con un suero parecido a una avispa y luego tallando sus entrañas. La estrella de género y chica Bond, Claudine Auger, interpreta a la dueña del spa Laura, que se encuentra en el ojo de un ciclón empapado de sangre sin salida. Dado que sus clientes caen como moscas, todas las señales posibles la señalan como una asesina.
¿Pero es eso? El psicópata con guantes de goma se abre paso a través de sucios amores y aquellos que quieren chantajear a varios adúlteros. Puede haber una conexión, al menos eso es lo que Cavara quiere que pienses. Con el número de cadáveres en aumento, el inspector Tellini (Giancarlo Giannini) cuestiona no solo su capacidad para lidiar con horripilantes asesinatos en serie, sino también sus propias inclinaciones sórdidas, que ahora están completamente expuestas. La decisión creativa de Cavara de incluir suspiros sensuales y gemidos curvos en la partitura, principalmente creada por Ennio Morricone, crea un placer tentador y cubre toda la imagen con un filtro provocador por el que uno simplemente podría morir.
12. SANGRE Y ENCAJE NEGRO
Mario Bava ejerce el poder del color con gran efecto. «Blood and Black Lace» de 1964 combina la vitalidad orgánica de la sangre humana (muchas de las piezas son en sí mismas obras de arte) con la belleza sintética y altamente procesada de la moda noble. Cada marco está cuidadosamente construido para evocar el glamour de la alta vida, pero aún así logra enraizar sus deslumbrantes obras maestras en una inquietante inquietud. Y luego Bava envuelve perfectamente las salpicaduras de pintura y sangre con un arco de intriga y alegría.
«Blood and Black Lace» fluye con una tensión desgarradora, baja en la historia y alta en festivales visuales. Por lo tanto, tiene sentido que la historia se centre en una boutique de moda de lujo, el clima de competencia agotadora entre diseñadores, costureras y modelos que refleja la búsqueda del asesino de un diario perdido que guarda secretos kitsch sobre los empleados de la empresa. Bava describe la desesperación humana con una claridad brillante y usa el color para marcar el ritmo y el tono de la película. La historia es obsoleta para la pura elegancia de Bava, y no cuestionarás sus intenciones mirando cada escaparate sediento de sangre.
11. LISA Y EL DIABLO
Debe haber sido así vivir en la cabeza de Mario Bava. «Lisa y el diablo» es una caída de pesadilla en una madriguera de conejo similar a «Alicia en el país de las maravillas». Como un espécimen brillantemente extraño, este enfrentamiento con la cercanía de Lisa (Elke Sommer) con la realidad se convierte en una de las hazañas más implacables y fascinantes del género. Lanzado un año después de «El exorcista», un éxito de taquilla mundial, productor de cine Se informó que se agregaron imágenes adicionales, con el hijo de Bava, Lamberto Bava a la cabeza, para dar cuerpo a los elementos sobrenaturales y convertirlos en temas más explícitos relacionados con el exorcismo; la película fue relanzada más tarde bajo el título «La casa del exorcismo».
Durante su visita a Toledo, España, Lisa se aleja de su grupo de turistas e intenta comprar una muñeca a un comerciante local antes de asustarse y huir. Finalmente, se dirige a una mansión destartalada donde vive un grupo de extraños aristócratas que guardan secretos sucios, incluida la necrofilia. Los límites morales se vuelven borrosos, así como aquellos entre la realidad y la fantasía cuando el residente Maximilian afirma que Lisa es en realidad su amante Elena, perdida hace mucho tiempo. Mentalmente perturbado, la viste con la túnica de Elena y trata de violarla, lo que hace que el fantasma de Elena evoque una risa estremecedora y resonante. «Lisa y el diablo» es una locura y conduce a un crescendo digno de «Carnaval de las almas».
10. OPERA
¿»The Scottish Play» condenó esta película antes de que comenzara? Posiblemente. Es notorio que la producción de «Opera» fue en 1987 eclipsado por numerosas tragedias y dificultades en el set. El padre del director, Dario Argento, murió, su romance con el actor principal Dario Nicolodi terminó y otro actor principal, Ian Charleston, estuvo involucrado en un accidente automovilístico. Superstición o no, la decisión creativa de Argento de incluir «Macbeth» de Verdi, una ópera basada en la obra de Shakespeare, en la historia puede haber presagiado una serie de eventos desafortunados.
En «Opera», Cristina Marsillach interpreta a Betty, una suplente que asume el papel de Lady Macbeth después de que la estrella Mira Cecova (Daria Nicolodi) sea atropellada por un automóvil. El maníaco con guantes de cuero hace su primera aparición en la noche del estreno, se asoma a través de una caja vacía y luego mata a un trabajador del escenario. A lo largo de la película, el asesino arranca páginas del libro de jugadas de «Macbeth»; parecen estar impulsados por la insaciable sed de sangre de otra persona más que por su propia hambre carnívora.
Betty luego pasa la noche en el apartamento de su amigo Stefano, una decisión de la que pronto se arrepiente. El atacante desconocido irrumpe, la ata y le pega los párpados con agujas, obligándola a presenciar el brutal asesinato de Stefano. Argento usa este escenario varias veces en la película para crear un efecto escalofriante. Es un juego del gato y el ratón, y todo parece indicar que el asesino conoce a Betty, o al menos conoce su pasado. A menudo promocionado como el último gran Giallo, «Opera» no es para los débiles de corazón.
9. MAS ALLA DE
En «Visiones fragmentadas: Lucio Fulci y sus películas» (vía Grindhouse diario), dice Fulci que para apreciar realmente la maestría en «The Beyond» hay que entender que «es una película de imágenes». La película de 1981 del cineasta se basa en imágenes del gótico sureño, como una mansión de Louisiana etérea y en expansión, y el horror sobrenatural para contar una historia que puede hacer que algunos se sientan mareados. Hay una razón por la que los censores de EE. UU. pirateado la versión original de la película y recorta secuencias violentas y muchas de sus escenas más sangrientas.
Sin saberlo, la aspirante a actriz, diseñadora de moda y modelo Liza Merrill (Catriona MacColl) proviene de una familia adinerada. Después de la muerte de su tío, hereda una propiedad maldita en Nueva Orleans, un terreno que se dice que está en la puerta del infierno. Si algo hemos aprendido de las películas de terror es que nunca se construye una casa en los cementerios o en las entradas al inframundo. El respeto por los muertos en general es una buena regla general.
Sin embargo, varias advertencias de una mujer ciega llamada Emily (Cinzia Monreale) caen en oídos sordos y Liza se encuentra en el camino directo de una horda de zombis, arañas y otras criaturas que se arrastran. Ella se lleva bien con el Dr. John McCabe (David Warbeck) trabajaron juntos para armar el rompecabezas de un libro llamado «Eibon» y una de las misteriosas pinturas de su tío. «The Beyond» es una experiencia insoportable que revuelve el estómago: si odias a las arañas, es posible que desees evitar una secuencia específica de rastreo de piel en la que los arácnidos devoran la cara de un hombre.
8. TODOS LOS COLORES DE LA OSCURIDAD
Los delirios que surgen del trauma se entretejen en la trama de la historia de terror. En «Todos los colores de la oscuridad» de Sergio Martino de 1972, que se forja en igual medida con la imponente interpretación de Edwige Fenech y un uso efectivo de la luz y la sombra, Jane navega a través de las consecuencias de un aborto espontáneo. Ella también todavía sufre el asesinato infantil de su madre, por lo que sus estados emocionales y psicológicos son inestables en el mejor de los casos. Con su vida en ruinas, busca la confianza de su nueva vecina Mary, quien le sugiere que asista a la Misa Negra, una ceremonia ritual celebrada por los adoradores de satanás locales.
Martino te llama con la promesa de misterio y brujería. Lo que experimentas es mucho más. «Todos los colores de la oscuridad» hunde al espectador en el asiento del conductor del narrador poco confiable; vemos lo que ve Jane y comenzarás a cuestionar tu propia cordura, o su completa falta de ella. Tu descenso a la locura es también en gran medida tu descenso. Es como introducir «Rosemary’s Baby» de Roman Polanski en un mezclador Giallo de colores brillantes, mezclando algunos elementos sobrenaturales con copos góticos y poniéndolo en alto. Es inesperado y emocionante y te dejará sin aliento.
7. ¿QUE HICISTE EN SOLANGE?
El guionista y director Massimo Dallamano oculta la identidad de Solange (interpretada por Camille Keaton, mejor conocida por su papel en la película de hazañas «Escupo en tu tumba») durante casi 80 minutos. Publicado en 1972, «¿Qué hiciste con Solange?» se trata de la inocencia perdida, así como de la seducción, el sexo y la hermandad. Un grupo de chicas jóvenes se une a una sociedad secreta, a menudo organiza fiestas sexuales, y cuando una de ellas golpea la tragedia, un acto indecible incita a represalias asesinas.
Las chicas pagan un alto precio por lo que han hecho, y su red engañosa atrapa al profesor de gimnasia Enricho Rosseni (Fabio Testi), quien también tiene muchos secretos. Su reputación de delincuente despierta sospechas entre la policía local, aunque su romance ilegal con una joven llamada Elizabeth (Cristina Galbó) le da una coartada para el primer asesinato de la película. Entonces no puede ser, ¿verdad? La función de Dallamano gira como la rueda de un hipnotizador, y cuando todo se revele sobre Solange, estarás inquebrantablemente angustiado.
6. LA REINA ROJA MATA SIETE VECES
Todos hemos oído hablar de la leyenda urbana de Bloody Mary, o tal vez conozcas mejor la de la leyenda. la niñera y el hombre de arriba. Giallo de 1972 de Emilio Miraglia «La reina roja mata siete veces» explora una leyenda urbana sobre dos hermanas reales, la Reina Negra y la Reina Roja. Cuenta la leyenda que la Reina Roja, que una vez fue asesinada por su envidiosa hermana, regresa cada 100 años y busca venganza matando a siete personas.
Una pintura perturbada que colgaba en la lujosa finca del aristócrata Tobias Wildenbrück (Rudolf Schündler), que muestra a una Reina Negra empuñando una daga y a su hermana ensangrentada, refleja la relación entre Kitty (Barbara Bouchet) y Eveline. Cuando Tobías muere 14 años después, deja a sus hijos con propiedades y una inmensa riqueza, que se comparte por igual. Sin embargo, su testamento establece que sus herederos deben esperar un año calendario antes de redimir su herencia. Su esperanza en la vida futura es que Eveline y Kitty no sufran la misma suerte que sus predecesoras, ya que su muerte marca el centenario de la leyenda urbana. Como última película de la carrera de Miraglia, «La reina roja mata siete veces» es el thriller que acaba con todos los thrillers policiales.
5. LA CASA DE LAS VENTANAS RISUEÑAS
Un Giallo por defecto, The House with Laughing Windows tiene muchos menos asesinatos de los que cabría esperar. El guionista y director Pupi Avati le da a su película de 1976 un brillo sensual, casi de otro mundo y alejado de cualquier verdad tangible. Con un narrador poco confiable que te hace cuestionar la historia en cada paso del camino, protagonizada por Lino Capolicchio, la película muestra la llegada de Stefano a un pueblo remoto en la laguna. Ha aceptado la orden de restaurar un precioso fresco, aunque gráfico, que representa el sacrificio de San Sebastián.
Cuenta la leyenda que el creador del cuadro, un artista local llamado Legnani, se volvió loco. Pero tal vez haya algo mucho más siniestro en juego. Mientras Stefano seguía una serie de pistas que lo llevaban a la pintura, se instaló en la misma villa que Legnani una vez llamó su hogar, donde el artista simplemente perdió la cabeza. El mundo de Stefan rápidamente se pone patas arriba y él mismo corre directo a la boca de la locura. Si bien la película sigue algunos ritmos narrativos tradicionales y está marcada con el clásico Giallo, nada te preparará para una de las finales más locas de la historia.
4. LA CASA DEL CEMENTERIO
«La casa del cementerio» es el sujetalibros del Trío-Horror-Gótico de Lucio Fulci, que apareció en 1981 después de «La ciudad de los muertos vivientes» y «El más allá». En contraste con obras anteriores, «La casa del cementerio» aparece como un fantasma en la noche, traquetea poética y conmovedora sobre una existencia insatisfecha y encuentra la paz en el más allá. El guionista Dardano Sacchetti habría citado la novela de Henry James «La rotación del tornillo», mientras Fulci intentaba escribir una historia que encajara fácilmente en el espeluznante universo de H. P. Lovecraft.
Norman Boyle (Paolo Malco) se muda con su esposa Lucy (Catriona MacColl) y su hijo Bob (Giovanni Frezza) a la Oak Mansion, que una vez fue su mentor, el difunto Dr. Peterson, pertenece y decide continuar explorando propiedades antiguas abandonadas. A pesar de una advertencia que Bob recibe de una niña fantasma llamada Mae (Silvia Collatina) que ronda la propiedad, la pequeña y acogedora familia se instala en su nueva vida. Pero las cosas se ponen feas y pronto son asediadas por una horda de pandillas chorreantes. Fulci ofrece una historia de fantasmas mucho más matizada, que aborda temas de la muerte, el dolor y la aceptación de los golpes en la noche y los monstruos que se comen la piel.
3. TU VICIO ES UNA HABITACION CERRADA Y YO TENGO TU LLAVE
Otro clásico de Sergio Martino, «Tu vicio es una habitación cerrada y solo yo tengo la llave» (1972) gana no solo el premio al mejor título de todos los tiempos, sino también por su ingeniosa reutilización del poema de Edgar Allan «El gato negro». «de 1843. Un gato negro se usa constantemente en innumerables otras películas de terror, incluida» The Back Cat «de 1934 protagonizada por Bela Lugosi y el largometraje de 1981 de Lucio Fulci del mismo nombre. Un gato negro es clave para desvelar el misterio de esta película .
Luigi Pistilli interpreta al abusador del alcohol Oliviero Rouvigny, un escritor una vez prolífico. Su desaliñada y maltratada esposa Irine (Anita Strindberg, protagonista de otros clásicos de Giallo como «Un lagarto con piel de mujer») se ha cansado de las miradas errantes de su marido y comienza una historia de amor propia (con la persona que menos se espera). Cuando su amante es despedazado, Oliviero naturalmente se convierte en el principal sospechoso y tiene que convencer a las autoridades y a su esposa de su inocencia. Incluso el compañero de gato peludo de Irine llamado Satan no está particularmente interesado en él y, a menudo, le gruñe.
«Tu vicio es una habitación cerrada y sólo yo tengo la llave» es una bola, su único hilo es un medio hecho jirones y deshilachado para un final maravillosamente loco. Las direcciones erróneas golpean al espectador durante la mayor parte del tiempo de ejecución, y cuando saltas al tercer acto, la impactante identidad del asesino se revela con un ronroneo y un silbido.
2. COLOR ROJO OSCURO
Muchos, incluido / Film, han declarado que «Deep Red» es el mejor momento de Dario Argento. Y por una buena razón. La película de 1975 define de manera experta lo que debería ser un giallo, estirado como una goma con sus intrincados puntos de trama, arcos de personajes y sangre obscena. Tras el asesinato de un clarividente, el pianista de jazz Marcus Daly (David Hemmings), que presenció el asesinato desde la calle, se topa con un laberinto figurativo junto con la experimentada reportera Gianna Brezzi, interpretada por Daria Nicolodi en una actuación estelar. Puede pensar que sabía quién cometió el crimen, pero está completamente equivocado (tal vez literalmente).
«Deep Red» te encanta con los ángulos de cámara inteligentes, especialmente cuando se ve desde una perspectiva diferente. Esa es la magia de la alegría de Argento. Él te da toda la revelación a medida que avanza la historia, pero no se da cuenta de que al final ya sabes lo que está sucediendo. Las imágenes de juguetes para niños, como muñecos, evocan una sensación de extravagancia e inocencia, ya que inculcan en el espectador la urgencia emocional del proceso.
1. LA MUERTE CAMINA SOBRE TACONES ALTOS
Los diamantes no son los mejores amigos de una chica. La película de Luciano Ercoli de 1971 "Death Walks on High Heels" combina las convenciones del giallo con un atraco de joyas. Cuando su padre es asesinado en un tren, a la stripper francesa Nicole Rochard (Susan Scott) le preocupa que su muerte pueda ser obra de un saqueador que busca un millón de dólares en diamantes. Bueno, tus instintos son correctos. Poco después, un ladrón enmascarado acecha su apartamento y ella recibe una llamada amenazadora de un asesino con un cambiador de voz exigiendo la ubicación de los diamantes. Ella no sabe nada - al menos ella dice - y hace cosas con el Dr. Robert Matthews (Frank Wolff) hace un viaje a la campiña londinense con la esperanza de no convertirse en la próxima víctima.
Sigue el peligro, al igual que un rastro de cadáveres. Centrando la desesperación de Nicole en el ojo del huracán, Ercoli construye la historia con un inteligente y acrobático equilibrio entre el thriller criminal y la telenovela. El asesino se acerca más y más, cada capa hormigueante se desmorona bajo los pies, revelando más podredumbre moral debajo. Es solo cuestión de tiempo y Nicole lo sabe. Tal vez sea una víctima, o tal vez sea parte de una conspiración diabólica más grande. Elegante y fascinante, Death Walks on High Heels se merece con creces su desgarrador final.
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